中国近现代十大画家传奇故事

07-04

中国近现代十大画家传奇故事

1、齐白石（1864─1957）

齐白石的作品在中国近现代市场上，不但是领跑者，而且具有强大的抗跌性。从2块银元到九亿人民币，齐白石的作品价格一直在上升，成就了一个个投资神话。可以说，任何时候买齐白石，都不算迟。

他的画路继承了文人画大写意的路子，但他又创造了一种新的形式。先写生而后写意，写意而后再写生，这样回转之后达到形神兼备。更绝的是，在同一张画上用大写意的花卉配上极工细的草虫，成了他独创的工虫花卉。

看齐白石的画，你一定要看到他笔下的地气儿，那种和泥土的联系，那种对一草一木一花一虫，生命的完全尊重。

2、张大千（1899-1983）

艺术品价值的难以界定，使得市场形成了一种粗略的定价策略，即靠艺术家本人的知名度来界定他的艺术水平。

张大千在普通大众间的知名度，很大程度靠的是他的一个个传奇性的故事。他曾被劫为匪，后又出家为僧，生时为灵猴转世，后又在苏州养虎。他在上海拜师，住过颐和园、青城山，最终远走巴西、辗转北美、最终归根台湾。他青年时仿石涛的画骗过了黄宾虹和吴湖帆，他先后有四个妻子和两个情人，还有一个暧昧不清的李秋君。每个故事都具有非常易于传播的传奇性，于是他就在这些话题中得以永生。

张大千的人格魅力，也是他赢得一生盛名的重要原因。他朋友众多，门人也多，对待每个人都以恩义为先，一生没有敌人。当然，市场买账并不仅仅因为张大千的人格魅力，藏家最看重的还是作品本身。

关于张大千的艺术成就，徐悲鸿曾称赞道：五百年来一大千。

张大千的画艺可谓“奇全”。奇者，在于张大千能够在艺术水平上到达很高的程度，不仅师法古人，并且自创一格。他临摹的古画骗过大收藏家吴湖帆，书法也创造出别开生面的“大千体”，其绘画艺术更是精妙绝伦，并且在人物画和花鸟画的领域达到了极高的水平，形成独具一格的特色。全者，在于他山水、花鸟、人物、工笔、写意、泼墨、书法无一不精，并且在晚年还独创了极具震撼力的青绿泼彩画法。相比之下，同时代画家大多只擅长一类题材，或者仅有一门绝技，张大千的艺事就显得格外醒目。就像商品有大众小众之分，艺术品也有。张大千的画在艺术性和市场接受度的融合拿捏上相当精妙。他的线条圆熟优美，但因生拙趣味，而不流于甜俗；他的画面优美鲜艳，却以其直追唐宋的美学标准，而显得高古不凡。

他完美的融合了优美与壮美，使市场的接受度最大化。而他标志性的诸如荷花、唐宋仕女、书法等则万变不离其宗，在大量作品中不断重复，成为了被人牢牢记住的符号。

3、黄宾虹（1865—1955）

黄宾虹的评价一般都是四个字“浑厚华滋”，黄宾虹可以说是传统中国画的笔墨最高境界，他用宿墨，秃笔，各种方法，画来画去，把山体的结构拆解，用极有质量的线条重新搭建。

黄宾虹符合传统中国画大师的一切条件，不论是养墨的罐子，还是那只秃笔，他对艺术的理解和追求，都是完全中国式的。

然而，晚年黄宾虹的画，却越画越不像他早期学的新安画派那样的传统山水，在他的画里，山不是山，水不是水。那些被完全打散而重新诠释的图像里，有着和西方的印象派的不谋而合。

我相信他应该没有刻意借鉴过印象派，但好的艺术似乎会殊途同归。

4、徐悲鸿（1895-1953）

1928年徐悲鸿来北京，当北平大学艺术学院的院长。他来之前，学生们有个投票，说想让谁来当院长，林风眠111票，徐悲鸿才15票。

其实这一点也不奇怪。徐悲鸿的那些重要作品，画的苦大仇深的，学生们年纪轻轻，爱好浪漫主义，都不喜欢这个。但是这个世界上，苦逼的角色总要有人来做。

来自屺亭桥镇，出身贫寒的徐悲鸿曾说，要“为人生而艺术”。他见到过社会底层的现实，眼里总是能看到那些苦人儿，就算是画美女，也多流露着一些苦情的感觉。

他总是笨拙地选择不讨好的艺术道路，画那些有钱人不喜欢的，和现实有关的题材，像一个正统的大家长。

5、潘天寿（1897-1971）

拍卖场上常见的潘天寿，都是些零碎小品，画两只小鸡，几笔兰花什么的。一尺左右，两只小鸡，在拍场拍个一百多万很正常。这在其他近现代画家身上简直不能想象，甚至比齐白石还贵。

所以在中国嘉德的《鹰石山花图》，两亿多成交时，很多人，没见到原作，就难免疑惑，为啥这么贵啊。

当然首先是画的好，他的画里有“民族翰骨”。

毛笔在纸上行走，留下奇妙的痕迹，干湿浓淡，峰回路转，外有筋，内有骨，带着中国基因的独特质感。

潘天寿爱这线条，他爱这软笔生发出来的风骨，于是他的画中，大块山石，秃鹫蟾蜍，几从山花，纤细杂草，无一不精神饱满，挺拔有力。这种线，精气神，筋骨皮，自带防伪标识。仿品在气势上，一下就落败几分，相形见绌。

相比同时代的许多画家，在西方的文化影响下自卑，或者因为政治环境的要求去顺从和主动改造自己的画，潘天寿选择做一个在大游行大运动中不盲从，不顺从的人。这需要他有强悍的内心，和他对传统文化，对这根线的强烈的热爱。

6、林风眠（1900-1991）

林风眠这位“西风东渐” 的先行者，是最早引进西方艺术语言，用西方的材料和手段，来改造中国画的一个人。25岁从巴黎自费留学回国那年，他就被蔡元培选中做北平艺专的校长，蔡元培的兼容并包，林风眠的自由真实，使得北平艺专来请当时名气不甚了了的齐白石来当教授上课，多半是喜欢齐白石画作中自由的生命力。

以西方现代艺术和现代意识来改良中国画，似乎是林风眠一辈子在做的事情。但我不愿意这样狭隘地理解他。当他放弃美术教育，决定做一名单纯的画师时，他对艺术的世俗化功能，似乎已经失去了信心。他不断地画的，只是他内心的孤独而已。所谓诗意，就是这份孤独。林风眠最爱画孤雁，那孤单而倔强的身影，仿佛就是他的笔。笔下是油彩也好，水墨也罢，他画的都是东方的意境，那是飘飘何所似，天地一沙鸥的意境。

7、傅抱石（1904-1965）

每一个学画画的人都要经历“如何面对古人”这一关，傅抱石也同样经历了。

他学画山水，最初主要是师法石涛，随后追摹宋元山水，兼学了王蒙、倪瓒、梅清、程邃、龚贤，还吸收了西洋水彩画和日本浮世绘技法，融入自己的绘画中。真正让他“悟”出自己的风格，要属寓居重庆金刚坡的经历。那段时期，他每天观摹巴山蜀雨，当地的高山在苍茫烟雨的映衬下，悠远缥缈，秀丽润泽。无数次的尝试，令傅抱石终于琢磨出“抱石皴”技法。

前面的那些名家，是一座山。

历史上有很多籍籍无名的画家，不是因为画得不好，而是被传统吓死了。名家本身是一座高峰，你翻过去，他在你脚下，你十万峰峦脚底青；你跪在他面前，他是个障碍，你乌漆嘛黑一片瞎。

你敢不敢上这座山，敢不敢一边尊重它，又一边把他踩在脚下？

傅抱石有这种勇敢。

8、李可染（1907-1989）

如何把中国画和普通生活连接起来，李可染进行了大量的写生。

40年代，可染先生在重庆的时候，临摹了大量石涛，八大的作品，胸中有万千丘壑。后来，他到大自然当中去写生，是重新发现山水，重新定义视觉。李可染说，“艺术家写生，要像从其他星球上来的人，要永远带着一种稀奇的、新鲜的感觉。”他这种新鲜的好奇，所要的，就是生活里头最敏感的东西。

一张画，可染先生会画很多遍。有时候他画完，会让别人看看效果，提提意见。有时候已经画得很不错了，但是可染先生还是不足，“他像打井似的，一定要打得更深”。通过反复的加笔，来试验如何把墨表现得更加深厚、丰富，甚至画坏一张成品，也在所不惜。“他觉得只有这样才能体会到墨的极致性”。

9、陆俨少（1909-1993）

陆俨少在山水画中独创了两种新技法，第一种是“留白”，即以水墨留出白痕，用来表现云雾、泉水、山径和浪花。而“留白”最早来自1964年的皖南写生。留白要以墨色反衬，这是陆俨少的又一种新技法：“墨块”，即以浓墨积点成块，留白是虚的抽象，墨块则是实的抽象，二者有机配搭，便造就千变万化的气象。

晚年陆俨少的画风，从早期的缜密娟秀转向浑厚老辣。此时的山水，书写的意味与动感更强，但这种书写，并不脱离山水形象的具体刻画。留白也更加成熟，传统的“留白”一般表现积雪、云气之类，而陆俨少把留白变成画面结构的一部分，通过留白，突出要突出的东西，省略要省略的笔墨。

“老年变法”该如何变，变到怎样的程度，陆俨少自己也不清楚，不过他并不焦虑。“所谓老年变法，不在面目之间。如得其理，由此而进，不激不挠，轨辙自得，其极也，自有水到渠成之乐。”

这种水到渠成，在陆俨少80岁的《黄山揽胜》图中便有体现。他用极简练的笔墨，在烟云变幻间，将黄山的崇山峻岭，有条不紊地展现出来。画中的线条，笔致清晰，起落有致；繁简轻重，浓淡干湿，疏密提按，极尽变化。画中的“留白”与“墨块”也是一大亮点，他在点线“留白”之间，用墨块使画面不平，增加分量，又压住“留白”，使之稳重，形成了强烈的流动感。